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revenir au sommaire ART MODERNE

L'introduction porte sur une histoire censée nous faire comprendre 1 ou 2 notions importantes pour apprécier le cours développé pendant l'année:

• La nécéssité d'intégrer les références "de base" communes à la majorité des japonais, qui font partie de la culture moyenne, pour pouvoir apprecier l'art japonais et ses références.
• La possibilité d'intégrer cette culture au lieu de la regarder de loin comme une référence exotique.

Pour celà une anecdote a été citée:

EN 1995 une grande exposition sur le style Nihonga [日本画](peinture de style japonais) a été montrée aux Etats-Unis dans l'université américaine de la ville de St louis. Pendant l'exposition une enquête sur l'oeuvre préférée des spectateurs fut effectuée, le tableau le plus populaire fut L'embrasement du Pavillon d'Or de Kawabata Ryûshi. Cette oeuvre n'est pas du tout une référence pour les japonais, mais les américains eux, ont appréciés cette oeuvre qui contenait une référence connue des spectateurs: le Pavillon d'Or.

-> sans les références adaptées, l'oeuvre est trop opaque pour être appréciée.

Image:KinkakuEnjyohpe petit.jpg

<br> <u>Pourquoi le Pavillon d'or est-il connu?</u> <br> 1/ le pavillon d'or est un site touristique très visité au Japon <br> 2/ le roman de Mishima Yukio, Kinkaku-ji (trad: le pavillon d'or) fut un grand succès, traduit en plusieurs langues. il fut publié en feuilleton en 1956 avant de paraître sous forme de livre, puis être traduit. un film fut tiré de ce livre, réalisé par Ichikawa Kon. <br/><br/>

Sommaire 1 Auteur du roman 2 Peintre 2.1 A - Un peintre de yôga 2.2 B - Retour à la tradition 2.3 C - A partir de 1936 les sensôga (tableaux de guerre) 2.4 D - Peintures d’après guerre 2.5 E - Le patrimoine japonais

Auteur du roman

Artiste charismatique qui defraie les medias jusqu'au jour de sa mort où il se fait seppuku (en 1970). Il aimait avant tout se mettre en scène et manipuler les médias. Par réaction à l’invasion américaine il se livre à un culte du corps en pratiquant le culturisme, dirige des groupes paramilitaires…<br> Dans « le pavillon d’or » Mishima utilise un langage précieux et délectable ce qui en fait une de ses plus belles œuvres. Sa perspective n’est pourtant pas tout à fait la même que celle du peintre puisque pour Mishima cet embrasement signifie la fin de son rêve d absolu brisé par la défaite de 1945.<br> --> image romantique de l'ecrivain d'après-guerre. S'est dressé contre la défaite /fatalité --> héroïsme contesté par certains. <br><br> Histoire du roman:<br> Histoire d'un novice (le narrateur) qui a appris la loi bouddhique par son père, adoptant sa fascination pour le Pavillon D'or. Le récit se déroule en période d'immédiate après-guerre : tensions, frustration de la défaite, occupation...

• les relations sont douloureuses entre le novice et sa mère, illustrant cette période troublée.

fin du roman: le jeune novice retourne au temple pour le brûler, et se brûler avec, il finit par se sauver malgré l'embrasement du temple, et se grille une cigarette. --> cette scene symbolise?? --> la guerre ferait perdre au narrateur son idéal de l'absolu (Bouddhisme), sa relation au temple est changée, il ne pourra plus le rejoindre dans sa perfection . <br> --> d'où la destruction de l'idéal? <br><br>

Peintre

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A - Un peintre de yôga

Né en 1885 au sud de Honshu, sous l'ère Meiji . <br/> Fils d’un commerçant en soie son nom de naissance est Kawabata Shôtaro. <br/> Il rentre à l'école l'année de la réforme de l'éducation (-> nouvelle exaltation de la nation, de l'empereur etc. loi abrogée en 1945 par les USA), et recoit donc une éducation très stricte.<br/> Il se décide à devenir peintre vers 19 ans, part étudier la peinture à l'huile auprès de Kuroda Seiki (un des pionniers de la peinture occidentalisante au japon) qui lui enseigne la perspective et les modelés.<br/>

• Ce type de peinture est appelée peinture Yôga [洋画] = peinture occidentale. <br/>

L’art occidental est connu au japon depuis la fin du 16ème siècle grâce à l’arrivée des missionnaires espagnols et portugais ; mais au début du 17ème le japon se ferme à l’occident (sauf aux hollandais dont les comptoirs commerciaux sont installés sur l île de dejima à Nagasaki). <br/> Kawabata est donc beaucoup plus tourné vers les techniques occidentales que celles de son pays, pourtant nombreuses. <br/> Il peint à la verticale contrairement à la tradition nippone (papier à l'horizontale), utilise de la peinture à l'huile à la place d'encre...<br/> 1913 = Kawabata fait un voyage aux USA, à Boston, afin de voir le musée de l'art oriental (dirigé par Okakura Tenshin). <br/> Il se rend compte là-bas de l'importance et du rayonnement des oeuvres de son pays. <br> Le responsable des collections orientales du musée de Boston est à cette époque Okakura Tenshin mais ils se ratent puisqu’au moment où Kawabata est à Boston il est lui en Inde et meurt peu de temps après son retour à Boston.<br>

B - Retour à la tradition

A son retour au Japon en 1914, il délaisse totalement la technique Yôga pour se plonger dans le Nihonga, peinture traditionnelle japonaise (supports horizontaux, washi ou soie comme toile...).(on peut en effet parler de tradition à partir du moment où il y a rupture dans l’enseignement et dans la pratique, la tradition est liée a une prise de recul à la conscience d’une histoire).<br/> Ainsi de 1914 au début de la 2ème guerre mondiale, il peint sur des supports de papiers japonais (washi) ou sur de la soie. <br/> Les œuvres qu il réalise dans les premiers temps de son retour ne sont pas spécialement japonaises par le sujet ou le format (ex : « le champs de blé » où il utilise un format occidental à voûte cintrée utilisé dans les peintures religieuses).<br/> Il reste donc influencé par l’occident mais il intègre cela dans une composition et une perspective traditionnelle.<br><br>

Peu après son retour au japon, il change de nom de Kawabata Shôtarô il devient Kawabata Ryûshi (nom d’artiste ou gagô : nom raffiné).<br/> //C’est une habitude du monde sinisant que de multiplier les noms surtout pendant les périodes dites précieuses (nom de baptême, nom transmis par le maître, nom bouddhique etc.) mais l’entrée dans la modernité et la nécessité de surveiller les foules ainsi que la mise en place d’un système étatique tendent à faire disparaître cette habitude.//<br/> Ici, le changement de nom se déroule dans un tout autre état d’esprit puisque c’est lui-même qui choisit son nom il en donne même l'explication , Ryûshi se décompose en :

- ryû dont l'autre lecture est tatsu signifiant le dragon

- shi qui veut dire enfant<br>

Ryûshi signifie donc fils du dragon, or dans le langage populaire Kawabata qui est un enfant illégitime est dit tatsu no otoshi gô soit fils du dragon.<br/> L’artiste qui prend ce nom se réclame de la Chine puisque le dragon est son symbole. <br/> Il montre ainsi que la sphère chinoise possède une communauté culturelle beaucoup plus forte que la sphère occidentale.<br> Il effectue un changement total dans sa manière d’appréhender la peinture et dans sa manière de créer : le travail à l’encre demande une précision, une rapidité et une totale maîtrise des techniques et du pinceau à l’instar de la peinture à l’huile dans laquelle on peut toujours rattraper une erreur.<br/> Dans un premier temps, on parle de shin nihonga (nouvelle peinture japonaise), ceci montre que la conscience de la nation japonaise naît au 19ème siècle.<br/> Cette peinture s’inscrit dans la continuité du mouvement du yamato-e qui s’oppose au kara-e (technique chinoise) mais si le shin nihonga naît en réaction à la peinture occidentale, il contient néanmoins des éléments et techniques de la peinture chinoise. <br/> C’est une fusion sino-japonaise puisque l’artiste utilise alternativement ou conjointement de l’encre de chine et des pigments de couleurs végétaux ou minéraux.<br/> <br/> Les fondateurs de ce mouvement sont Okakura Tenshin et Ernest Fenollosa qui travaillent pour le musée de Boston et ce dès 1886.<br/> Même s’ils revendiquent la tradition, ils ne sont pas du tout pour un retour aux sources, d’autant qu’ils sont influencés par les techniques occidentales.<br/> Dans un premiers temps, Kawabata se rapproche du nihon bijutsu-in (groupe fondé par Okakura Tenshin) pour se faire connaître, il crée ensuite son propre groupe en 1929 : le seiryûsha (la société du dragon bleu).<br> Il a alors un projet « faire se rencontrer l’art et les masses » ; Il veut mettre l’art au service d'un idéal politique (idée d’une peinture nationale). <br/> Il s’investit dans l’effort de guerre en illustrant par ses tableaux les grandes périodes de troubles dans lesquelles le japon est impliqué. <br>

C - A partir de 1936 les sensôga (tableaux de guerre)

« Ouvriers au travail dans une usine d’armements » 1936 : tableau peint suite au conflits avec les Etats-Unis à propos des quotas de l’armement naval.

« Peinture de l’amiral Yamamoto » 1936 : le nihonga par essence ne permet pas la réalisation d’œuvre réalistes, néanmoins on en reconnais aisément le sujet. Dans ce tableau on peut justement remarquer la capacité à rendre la réalité, sa fidélité à la technique sino-japonaise, le souci de la ligne, le travail sur l’encre et la fluidité des couleurs.

Il garde un esprit qui se veut japonais mais témoin d’une histoire et d’une tradition.

« La croix du sud »1944 : c’est le départ d’un convoi de transporteurs de l île de Kainan les 4 étoiles en haut du tableau symbolisent la croix du sud c’est-à-dire les endroits où se déroulent les combats.

« Les dieux torpilles » 1944 : cette peinture mélange un réalisme extrême et des divinités imaginaires. C’est une anticipation des attaques kamikaze (les techniques de guerre étant à l’époque extrêmement médiatisées).

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D - Peintures d’après guerre

« Bakudan senge » 1945 : œuvre réalisée quand la guerre se termine en août 45.

On peut voir sur ce tableau des légumes éparpillés ainsi que des feuilles d’or collées un peu partout comme autant de crevasses laissées dans le sol par les bombes. L'artiste cherche toujours le meilleur moyen d’illustrer l’histoire (il faut savoir qu’en 1945 la plupart des grandes villes ont été détruites à plus de 50% et c’est ainsi que l’artiste le représente). A cette époque il perd sa femme qui meurt de maladie et son fils soldat (sur un champs de bataille à Bornéo). S’ensuit une période de deuil qui est aussi la période de l’occupation américaine.

« Fûdo rouge » 1946 : le fûdo est une divinité très prisée au Japon c’est un roi de science, gardien et protecteur de ceux dont le métier est dangereux. Il les accompagne tant sur le chemin de la vie que sur le chemin de la mort. Il est toujours représenté accompagné de deux parèdres.

Ses attributs sont :

-l’épée bouddhique pour se couper des passions

-le lacet, signe de compassion qui réunit les fidèles<br>

Ici les parèdres ont été remplacés par deux portraits de ses petits enfants orphelins. « Yumé »1951 : l’artiste revient sur une découverte de l’époque : celle de la tombe d’un prince Fujiwara dans un état de conservation impressionnant ; c’est une façon de montrer que le Japon pour se reconstruire doit s’appuyer sur son histoire. C’est dans cette série de peintures que s’inscrit l’embrasement du pavillon d’or dont nous avons parlé au début du cours. <br>

E - Le patrimoine japonais

En avril de la même année fut votée une loi sur la conservation et la protection du patrimoine (le bunkazai hogo-hô).

Ceci instaure un système de classement des œuvres et une protections des savoir-faire détenus par des artistes vivants.

Le classement des œuvres en trésors nationaux fait aussi son apparition. Cette politique est due à :

-la destruction d’une partie des œuvres et monuments pendant la guerre (8 des 15 châteaux sont totalement détruits et 2 seulement ont été épargnés et 5 sont partiellement détruits ; en effet l’armée instaurait ses quartiers généraux dans les châteaux. Ces monuments ont donc été visés en premier par l’ennemi)

-la destruction par un incendie accidentel du Hôryûji (c’est la plus ancienne structure en bois au monde) en 1947.

Cet édifice est composé de 3 étages et toutes ses parties externes sont dorées, il est situé dans l’enceinte d’un temple construit au 14ème siècle par Yoshikawa Yoshimitsu pour servir de sanctuaire. Il devient au 15ème siècle temple de la secte zen Rinzai.

Quand Kawabata réalise son œuvre « l’embrasement du pavillon d’or » (mesurant 2,40 sur 1,40) il met en avant l’histoire du temple. Il commence par dessiner les contours à l’encre puis le lavis (encre diluée non répartie au pinceau), il peint ensuite les flammes à la manière traditionnelle c'est-à-dire un feu tortueux travaillé au contours dessinés (ce n’est pas un feu réaliste contrairement au bâtiment). Il souffle ensuite des paillettes d’or sur l’œuvre pour finir.<br> On distingue nettement deux masses antagonistes d’un côté, le rouge et or et de l'autre, le lavis (la fumée) qui enveloppe le bâtiment. On a paradoxalement une impression d’équilibre, d’harmonie dans la composition.

Kawabata autant que Mishima eut un souci de documentation de protection de l’histoire.